O mar surge aqui não como cenário, mas como símbolo. Tal como as emoções, nunca permanece igual. Pode ser abrigo ou distância, promessa ou dúvida. E é nesse território ambíguo que a canção encontra a sua força.

Ao longo da canção, as vozes funcionam como como espelho e cada frase escrita por Irina Chitas parece prolongar a anterior, como se ambos procurassem compreender a mesma pergunta sem nunca encontrar uma resposta definitiva. E talvez seja precisamente essa ausência de resposta que dá força ao tema.

O mar surge aqui como símbolo da incerteza humana. Daquilo que nunca conseguimos controlar totalmente, e que, tal como as emoções, o mar muda constantemente de forma, de intensidade e de direção.

Existe uma melancolia evidente em “Que Mar É Este”, não apenas como expressão de alguma derrota, mas mais como consciência da fragilidade das relações humanas e da impossibilidade de controlar o curso da vida. É uma melancolia que observa, que procura aceitar e compreender.

“não sejas saudade, que eu sou coração”.

Foto: Frederico Martins

Musicalmente, “Opening Night” traduz um sentido de retorno e reflexão: é uma composição que cresce de forma contida, encontrando tensões interiores que ecoam o estilo dos Arctic Monkeys, mas com uma maturidade que se alinha com a evolução que a banda tem apresentado nas últimas décadas. Registada nos lendários Abbey Road Studios sob a produção de James Ford.

O lançamento de “Opening Night” insere-se num projecto maior: o álbum HELP(2), que sairá a 6 de março de 2026, e reúne uma constelação de artistas contemporâneos: de Olivia Rodrigo a Depeche Mode, de Pulp a Sampha, em torno de um propósito comum.

Depois de ter participado em 2020 no “The Voice Portugal”, onde conseguiu virar as quatro cadeiras e integrou a equipa de Marisa Liz, mudou-se para Londres à procura de viver o seu sonho. E quando Londres ainda era uma cidade recheada de bons locais para busking, Serena encontrou o seu palco entre Leicester Square e Piccadilly Circus, conquistando muitos dos que por ali passavam.

Este caminho deu-lhe não só experiência técnica e resiliência, mas também uma espécie de língua musical própria, onde pop, indie, dream pop e elementos de trip-hop começam a convergir na sua linguagem sonora.

Paralelamente às atuações de rua, Serena começou a compor e a lançar música própria, tendo igualmente passado pelo podcast de David Antunes – Canta-me Uma História.

Serena representa uma geração de artistas que não esperam pelo palco perfeito, mas constroem o seu lugar no mundo a partir da rua, da interação directa com o público e da coragem de mostrar quem são em cada nota. Chega agora a sua versão 2.0 e a apresentação ao vivo de dois dos seus temas originais que merecem audição atenta.

“Que Eu Sofra” é canção para quem já tentou esquecer e percebeu que esquecer é só outra forma de lembrar. Para quem sabe que o coração não se fecha por inteiro, mesmo quando tentamos.

Numa quase reinvenção artística, mas preservando a sua marca minimalista e singular, Rita Braga mergulha pela primeira vez no universo do fado, através de uma pesquisa de documentos históricos e gravações do princípio do século passado, e trá-lo para uma nova paisagem sonora. Inspirado numa gravação de Ercília Costa de 1930, Fado Tango resgata um tema do passado e veste-o de arranjos elegantes e cinematográficos, onde a voz e ukulele de Rita se cruzam com a marimba de Ryoko Imai, o violoncelo de Bruna Moura e o saxofone de João Cabrita. A mistura ficou a cargo de Suse Ribeiro e a masterização de Tó Pinheiro da Silva.

O single é acompanhado por um videoclip realizado por Joana Linda, no qual Rita explora a sua dimensão performativa e presta homenagem às vozes esquecidas das mulheres pioneiras do género — das cantadeiras meretrizes do século XIX às atrizes de revista das primeiras décadas do século XX.

Foto: Sara Rafael.

@a_capicua volta a provar que o rap português é também poesia de palco. Em BRAVA (live com @xcolinasx ), a força da palavra ganha corpo e respiração, como se cada verso fosse um espelho da ferida e da coragem de quem o diz. A performance é um manifesto poético e combativo sobre o poder da mulher, sobre resistência e afirmação num espaço ainda dominado por olhares e estruturas masculinas. Capicua transforma a palavra em arma e abrigo, e o microfone em espelho de todas as que tiveram de lutar para existir sem pedir licença.

Contando com o punk rock do power trio COLINAS ( @p.geraldes aka “Lázaro”, @joaovairinhos and @claudiolagotavares ), sobretudo esta versão ao vivo carrega uma energia quase ritual. Não é raiva, é lucidez. É o gesto de quem aprendeu a ser brava não porque quis, mas porque o mundo não lhe deu alternativa. As metáforas e a cadência das rimas denunciam o quotidiano da misoginia, do paternalismo, do julgamento constante, e ao mesmo tempo reivindicam a força criativa e espiritual da mulher que se ergue sem precisar de pedir desculpa.

HOJE no Sziget Festival espera-se uma explosão de energia e muito suor provocado, não só pelos 36 graus esperados, mas pelo ritmo alucinante do animal de palco que é Joe Love.

Atuam hoje no Festival Sziget 2025.

Mesmo assim, demorou a lançar música sua. Foi só décadas depois que apresentou o seu trabalho como artista principal, revelando uma voz própria: sincera, introspectiva e cheia de groove, alicerçada por aquela herança jamaicana mas com uma fluidez cosmopolita.

“Nature (I Am Here Now)”, com Gentleman como convidado, é a evidência clara dessa evolução. A batida suave e ritmada flerta com o reggae moderno, enquanto o refrão de Claye se afirma como um mantra gentil: estar presente, sentir o agora, aceitar o momento com consciência. Gentleman entra com a voz grave e cristalina que lhe é reconhecida, criando um diálogo sem atritos, sem competição, apenas eco de raízes e respeito mútuo.

Em 2017, Peter perdeu a audição temporariamente e, com ela, a capacidade de estar no mundo como o conhecia. O regresso deu-se com Green to Gold (2021), talvez o seu álbum mais sereno, mais contemplativo. Mas também o mais distante daquele abismo inicial que os tornara tão únicos.

Agora, com “Carnage” e o anúncio de Blight, a banda volta a inclinar-se para o peso do mundo. Mas já não é só o mundo interior, é o exterior também. É um novo tipo de intimidade: não entre duas pessoas, mas entre o humano e o estrago que deixa para trás.