Nesta versão ao vivo de “Circles” existe uma contenção muito clara na forma como ele canta, nada é exagerado, nada é empurrado para um clímax e isso faz com que cada palavra fique mais exposta, mais difícil de ignorar.

Há uma ideia recorrente no trabalho de Gundersen: relações, fé, identidade, tudo tratado não como respostas, mas como questões em aberto, muitas vezes ligadas a experiências pessoais e períodos de conflito emocional . E “Circles” encaixa naturalmente nesse território, não como uma história fechada, mas como um estado contínuo.

O que esta versão ao vivo faz é retirar qualquer distância entre a música e esse estado. No fundo, “Circles (Live)” não é sobre sair de um ciclo. É sobre perceber o quanto ele ainda está ativo, mesmo quando já tens consciência dele e da necessidade da sua transformação.

O single “Glass Hammers” apresenta desde logo uma evolução no som da banda, afastando-se de uma abordagem mais rígida e centrada na tensão imediata para um registo mais aberto, mais rítmico e menos dependente da pressão constante que definia o trabalho anterior

Liricamente, “Glass Hammers” aponta para uma sensação de desgaste contemporâneo, descrita pela própria banda como uma “decline in human competence”, marcada por excesso de escolha, distração constante e uma crescente desconexão entre pensamento e ação

Foto: Margarite DuTeau

“Closer To You” surge como um dos temas centrais do EP de estreia Silent Pictures, com lançamento previsto para 10 de julho de 2026 via LAB Records, depois do primeiro avanço “Prevail”.

A faixa mergulha diretamente numa obsessão emocional difícil de conter. A própria banda descreve-a como uma atração inevitável por alguém, uma entrega total à sua presença, enquanto se tenta, sem grande sucesso, manter algum controlo sobre si próprio.

Musicalmente, “Closer To You” constrói-se sobre linhas de baixo melódicas e hipnóticas, guitarras tensas e uma voz grave que ecoa num espaço quase cavernoso. Há uma sensação constante de tensão contida, como se a música estivesse sempre prestes a romper, mas nunca o fizesse completamente.

É nesse equilíbrio entre desejo e perda de controlo que a canção ganha força. Não há redenção clara, nem distância crítica. Apenas proximidade, demasiada proximidade.

No registo ao vivo no NuRecordings Studio, a banda não está apenas a tocar canções. A música ao vivo tem a particularidade de nos revelar algo que os estúdios convencionais por vezes disfarçam: uma urgência e um encontro entre intérprete e ouvido que é simultaneamente físico e metafísico.

Gravar ao vivo em estúdio é um acto de coragem e de generosidade: exige transparência, revela a estrutura íntima das canções e convida o ouvinte a entrar no momento em que elas se fazem. No caso de Motel Plaza, o registo no NuRecordings Studio funciona como uma lente que aumenta as nuances, tornando audível o detalhe das dinâmicas e transformando o som num momento de partilha visceral.

O título Days of Ash (“Dias de Cinzas”) refere-se à data de lançamento, Quarta-Feira de Cinzas e a própria coleção é descrita pela banda como “seis postais do presente… wish we weren’t here”, sublinhando um carácter urgente e reflexivo ligado ao contexto global atual.

O EP tem seis faixas que misturam canções e um poema musicalizado, todas com produção de Jacknife Lee e lançadas de surpresa sem aviso prévio. As músicas são uma resposta direta aos acontecimentos sociopolíticos recentes e inspiradas em histórias de pessoas reais que lutam pela liberdade ou foram vítimas de violência política.

Em contraste com o tom mais meditativo e às vezes pesado destas faixas, o álbum que se seguirá deverá ter uma sonoridade e temas mais celebratórios, segundo os membros da banda, mostrando um contraste intencional entre a urgência do presente e a visão de futuro que ainda procuram transmitir.

Days of Ash destaca-se, portanto, não apenas como música nova dos U2, mas como um posicionamento artístico e humanitário numa época marcada por conflitos e desafios globais, reafirmando o compromisso histórico da banda com a reflexão social através da canção.

Desde os primeiros trabalhos, o grupo californiano construiu uma identidade muito própria dentro do indie rock, desde o piano nervoso, ao baixo e bateria ritmica e a interpretação quase falada de Nathan Willett, sempre entre confissão e observação social. O EP soa mais próximo, como se as canções já não procurassem afirmar energia, mas compreender desgaste.

Push My Luck abre nesse registo inquieto, como quem continua a arriscar mesmo sabendo que não controla o resultado. Já All I Ever Need desloca o foco para dentro: reduz a escala e transforma a pergunta em necessidade simples, num contraste que tem sempre definido o grupo ao longo da sua carreira.

Depois de anos a escrever sobre personagens e situações externas, aqui os Cold War Kids parecem mais interessados no espaço intermédio das emoções: aquele momento em que já não precisamos de provar nada, apenas perceber o que ainda fica.

Conforme a música avança, a quietude inicial é confrontada com cordas tensas e guitarras graduais que empurram o tema para fora da zona de conforto, como um lembrete de que enfrentar o “veneno” dentro de nós exige coragem e atenção.

Este projecto reúne três interpretações ao vivo: “Remember Me (Train Song)”, “500 Miles” e “Oranges” filmadas e gravadas no interior daquele espaço icónico em Londres, mas de uma forma singular: não apenas da frente do palco, mas desde os camarotes, proporcionando uma experiência de proximidade e introspecção que altera a forma como observamos o espectáculo e o acto de ser observado.

O EP não é apenas uma reprodução fiel das canções; é uma reinterpretacão dessas mesmas músicas. Mann trabalhou com Owen Spafford, enquanto as captações ficaram a cargo de Fabian Prynn e, nessa relação musical de confiança e cumplicidade, as composições ganharam nova vida e significado. A própria artista descreveu este processo como uma renovação da sua conexão com aquele repertório, desejando que essa mesma experiência de redescoberta se estenda a quem ouve.

A música faz parte do EP Fragments e desde os primeiros versos: “I hate that I’m still in love, my brain thinks you’re the only one”, a canção joga com a tensão entre cabeça e coração, entre o que sabemos que deveríamos sentir e aquilo que, visceralmente, continuamos a experimentar.

Pedro Ricardo, cujo percurso já se aventurou por territórios electrónicos (DJ) e jazzísticos, escolheu agora a simplicidade de uma guitarra acústica e a intimidade da letra em português. Ao envolver Zambujo, cuja interpretação é pedaço de fado, de cante alentejano e de canção lírica contemporânea, a faixa ganha uma densidade emotiva que vai além do mero som e entra na alma do ouvinte.

Este projeto sucede a “Sopram Bons Ventos” e para além do single “Sem Caminhar eu Vou”, foi para já disponibilizado um EP homónimo.

Em fevereiro, será editado o single “Oxalá Cante com Tempo”, por Ana Margarida Prado, seguindo-se o EP homónimo, no dia 06 de março e o álbum que juntará os dois EP’s no final de março.