O concerto começou no formato habitual, com Cátia Mazari Oliveira acompanhada pela sua banda, Sérgio Miendes, Diogo Arranja e João Mota. “Canção Sem Fim” abre o caminho sem pressa, mas com peso. Seguem-se “Este País Não É Para Mães”, “A Sede do Xega”, “Fronteiras Invisíveis” e “Urgentemente”. Cinco canções onde cada verso assenta sozinho e se sustenta por si.

Há uma linha que atravessa tudo e que, aqui, se sente sem filtro. Nada é dito ao acaso.

“A Sede do Xega” não precisa de explicação. Precisa apenas de ser dita em voz alta, no contexto certo, com o público certo. E esse contexto existe, na forma como a sala escuta, responde e reconhece. Já não é provocação. É afirmação partilhada.

“Fronteiras invisíveis” ecoa não como verso, mas como pergunta aberta. Quantas fronteiras carregamos sem as nomear? Quantas continuam dentro de nós, mesmo quando pensamos que já as ultrapassámos?

“Urgentemente” surge como necessidade. Não como pressa, mas como consciência de que há coisas que já não podem esperar.

E é depois deste primeiro bloco que tudo se expande.

A entrada das cerca de 60 mulheres do Coro das Mulheres da Fábrica transforma a sala. O concerto deixa de ser apenas canção e passa a ser corpo coletivo. O que antes era palavra individual ganha dimensão partilhada, memória e intervenção colectiva.

O Coro das Mulheres da Fábrica, que faz um trabalho extraordinário na recolha e reinvenção do cancioneiro tradicional e da oralidade, deixa de ser presença e passa a ser força.

Em “Que Mulher É Essa”, cruzada com versos da tradição oral, “que tristeza é ser mulher, se é bonita tem má fama, se é feia ninguém a quer”, tudo ganha outro peso. Não é apenas canção. É herança viva. E transforma-se num dos momentos mais fortes da noite.

“Dilúvio” não surge como rutura, mas como acumulação, como se tudo o que foi sendo dito ao longo do concerto, encontrasse ali um ponto de descarga emocional, sem nunca perder o controlo.

Depois “Ferry Gold” chega-nos para nos lembrar que nem a natureza permanece pública.

Mas ainda havia espaço para mais, a surpresa da noite: um medley da A Garota Não e do Coro das Mulheres da Fábrica com direito a Cátia a cantar desde System of a Down, “Power to the people”, Rage Against the Machine ou “Vampiros”, “Depois do Adeus”, “Que força é essa” e, para fechar, um Teatro todo de pé a cantar em uníssono a icónica: “Grandola, Vila Morena”.

Desde Torres Vedras até aqui, muita coisa mudou. Os palcos cresceram, o público tornou-se fiel, as salas enchem-se com uma certeza que já não precisa de validação. Mas Cátia continua exatamente onde sempre esteve. A sua verdade não mudou. A sua integridade não foi negociada. E a fama não a transformou, apenas lhe deu mais espaço.

Mais espaço para dizer. Mais espaço para incomodar. Mais espaço para intervir. E talvez seja isso que este concerto revela com mais clareza. Não o crescimento. Mas a amplificação.

No fundo, ver A Garota Não hoje é perceber que há artistas que não mudam para crescer. Crescem para poder ser ainda mais aquilo que sempre foram.

E isso muda tudo.

No contexto desse palco, os JAVISOL afirmaram aquilo que já vinham a construir: uma identidade que cruza rock alternativo com uma carga emocional muito portuguesa, onde há ecos de fado, mas também explosões quase catárticas. O projeto, liderado por Tiago Jesus, vive dessa dualidade: fragilidade e intensidade, que ganha outra dimensão ao vivo.

Mais do que um concerto, o que se sente neste registo é precisamente isso: uma banda pensada para palco. As canções não ficam presas à estrutura, expandem-se, respiram, e muitas vezes parecem acontecer no limite entre o controlo e a entrega total.

A entrada «a cappella», para interpretar “We’ve Come a Long Way Together”, o tema de protesto de Bernice Johnson Reagon com a colaboração das irmãs Qazi & Qazi, que encantaram a sala com as suas vozes e harmonias impossíveis, foi o mote para o que se iria seguir.

O Hoxton Hall, teatro do século XIX, com a sua acústica quase artesanal, serviu de cúmplice para uma noite de profunda partilha. As madeiras antigas absorviam e devolviam o som com uma proximidade quase física, fazendo com que cada respiração tivesse peso. É uma sala que obriga o público a estar presente, e Annahstasia, tal como o tinham feito as Qazi & Qazi, aproveitaram essa atenção total desde o início.

A setlist que Annahstasia tinha preparado revelou um percurso emocional pensado com cuidado. O concerto abriu com “Be Kind”, e logo aí ficou claro o cuidado emocional do alinhamento. Enquanto “Take Care of Me” mostrou a profundidade que tem ao vivo: não força a voz, não dramatiza, mas transmite tudo com uma honestidade que dispensa efeitos. Em “SLOW”, a intensidade tornou-se mais contida, como se fosse um diálogo interno que estava a ser testemunhado por todos os presentes que, quase religiosamente, guardavam silêncio perante o encantamento que viviam.

Apresentou depois “Open Door”, ainda não editada, ao que se seguiram dois dos momentos mais altos da noite: “Satisfy me” e “Silk & Velvet” numa sala totalmente rendida ao encanto de Annahstasia , e com a certeza de que estava ali testemunhar um momento que, muito provavelmente será recordado daqui a uns anos, quando, as salas forem outras, de maior dimensão.

Em “Garden”, a leveza ganhou espaço, uma canção que, ao vivo, se estende mais do que em gravação, como se estivesse a descobrir-se ali mesmo.

Entre músicas, Annahstasia falou com uma franqueza pouco habitual. Falou do desgaste da estrada, da relação com a própria arte e com o dinheiro, da sensação de estar constantemente a atravessar expectativas: as suas e as dos outros. Não foi conversa decorada, nem discurso para impressionar. Foi desabafo. E talvez por isso tenha aproximado tanta gente dela naquela noite.

“Saturday” trouxe uma energia mais terrena, mais ligada ao quotidiano, antes de o concerto entrar no seu final com “Sunday” e “Believer” que funcionou como um ponto de chegada: uma canção que ao vivo parece maior do que no estúdio, carregada de convicção, mas também de fragilidade assumida.

O que marcou verdadeiramente esta noite não foi o volume, nem o virtuosismo instrumental, nem qualquer tipo de produção grandiosa. Foi a clareza. Uma artista que sabe o que quer transmitir e o faz sem ornamentação. Uma sala que amplifica não o som, mas a intenção. E um público que percebeu a importância de escutar.

No Hoxton Hall, Annahstasia mostrou uma forma rara de presença: uma força tranquila, capaz de transformar uma sala inteira sem levantar a voz. Não foi um concerto enorme: foi um concerto verdadeiro. E isso é sempre maior.

No próximo ano estará no Primavera Sound Porto e, mesmo num ambiente menos íntimo do que este, quem reconhecer o diamante que Annahstasia é terá certamente uma experiência para recordar.

The a cappella opening: “We’ve Come a Long Way Together”, Bernice Johnson Reagon’s protest song performed with the collaboration of the sisters Qazi & Qazi, who had enchanted the room moments earlier with their impossible harmonies, set the tone for everything that would follow.

Hoxton Hall, a nineteenth-century theatre with an almost handcrafted acoustic character, became the perfect accomplice for a night of deep emotional sharing. The old wooden structure absorbed and returned the sound with a physical closeness, giving weight to every breath. It is a room that demands presence, and Annahstasia, just as Qazi & Qazi had done, embraced that attentiveness from the very first moment.

The setlist she brought revealed an emotional journey shaped with real care. The concert opened with “Be Kind”, immediately making clear how intentional the flow of the evening would be. “Take Care of Me” showed the depth she has onstage: she never forces the voice, never dramatizes, but conveys everything with a disarming honesty. In “SLOW”, the intensity grew quieter, like an inner dialogue unexpectedly witnessed by a room that listened with almost religious stillness.

She then presented “Open Door”, still unreleased, followed by two of the night’s highest points: “Satisfy Me” and “Silk & Velvet” performed to a room entirely surrendered to her presence and fully aware that it was witnessing a moment that will likely be remembered years from now, when the venues are larger and very different from this one.

With “Garden”, a gentle lightness took over, a song that seems to stretch and unfold live, as if discovering itself right there onstage.

Between songs, Annahstasia spoke with unusual frankness about the exhaustion of touring, about her relationship with her craft and with money, about the feeling of constantly moving through expectations: her own and those of others. It wasn’t rehearsed speech, nor an attempt to impress. It was confession. And perhaps that is why it brought her even closer to the audience that night.

“Saturday” brought a more grounded energy before the concert entered its final stretch with “Sunday” and “Believer”, the latter functioning as a point of arrival, a song that sounds bigger live than in the studio, carrying both conviction and a deliberate vulnerability.

What truly defined this night was not volume, nor instrumental virtuosity, nor any kind of grand production. It was clarity. An artist who knows exactly what she wants to express and does so without ornamentation. A room that amplifies intention rather than sound. And an audience that understood the importance of listening.

At Hoxton Hall, Annahstasia revealed a rare kind of presence: a quiet strength capable of transforming an entire room without raising her voice. It wasn’t a massive concert; it was a true one. And that is always greater.

Next year she will appear at Primavera Sound Porto, and even in a less intimate setting, those who recognise the gem that Annahstasia is will undoubtedly be left with a performance to remember.

O que Sara Correia fez em 2025, no Coliseu do Porto é uma prova de que quando a Voz, a Alma e a Beleza da arte se reunem, pode-se viver um momento verdadeiramente único. Este concerto da Tour Liberdade tornou-se em mais do que um concerto: foi um retrato vivo do fado enquanto arte de corpo inteiro, capaz de atravessar tradição e presente.

Ao longo da atuação, Sara deu voz a temas que já se tornaram centrais no seu repertório, mas também mostrou a força de quem sabe arriscar e dialogar com outros universos. A presença de músicos como Diogo Clemente e Ângelo Freire trouxe uma cumplicidade instrumental rara, sustentando uma interpretação que vive tanto da contenção como da explosão emocional. Entre os momentos mais marcantes esteve a partilha de palco com Pedro Abrunhosa em “Que o Amor Te Salve Nesta Noite Escura” e “Ilumina-me”, numa fusão que ampliou o alcance poético e humano do espetáculo.

Gravado ao vivo, o concerto ganha agora nova vida, permitindo revisitar a energia da noite em que a sala se rendeu à intensidade da fadista. Não é apenas uma gravação de palco: é um documento que capta a entrega, a respiração e o silêncio partilhado entre artista e público.

Em 2010, o EM referia que “Sara Correia é uma jovem cosmopolita que, apesar de ter apenas 25 anos, já tem muitas noites nas Casas de Fado de Lisboa onde se foi fazendo mulher, o que, naturalmente, contribui, e muito, para que a sua voz e interpretação nos remeta para os clássicos, apesar do seu ar jovial e moderno” A Jovem Sara transformou-se numa mulher forte, poderosa, madura, mas, sempre, mantendo a sua Liberdade de ser o que quiser e, sobretudo, de encantar com a sua alma profundamente fadista.

Numa segunda-feira à noite, em meados de setembro, e com o vento do Sado a convidar ao agasalho, Cátia demonstrou, uma vez mais, a sua singularidade artística. Não só na sua abordagem criativa, mas, acima de tudo, na sua profunda conexão com as pessoas e com a própria essência da música.

Para surpresa e deleite da multidão que enchia o Largo de Jesus, Cátia não só desfilou magistralmente os seus temas, com um medley de alguns dos mais emblemáticos dos seus dois primeiros álbuns e interpretações marcantes como “Este País não é para mães” ou “Ferry Gold”, que dá título ao seu mais recente trabalho, mas também, e sobretudo, revelou a sua visão de que, no seu universo artístico, todos os estilos musicais e todas as formas de representação têm não só espaço, mas também merecido protagonismo.

Esta é uma atitude rara entre muitos artistas, e Cátia reafirmou a sua essência: a sua verdadeira sede não é de protagonismo individual, mas sim de partilha. Ela procura valorizar talentos que, por vezes, são esquecidos na “trituradora dos dias” e num mercado cultural que nem sempre reconhece o seu valor. ou que tende a se esquecer de quem já o teve.

Foi assim que Setúbal teve a oportunidade de (re)descobrir alguns dos seus mais notáveis artistas, num desfile de géneros e talentos que sublinhou a riqueza musical da região. No palco, brilharam nomes do Hip Hop/Rap como Prétu Xullaji, Dário Pi e Krazye Loko, com A Garota Não a prestar homenagem também a Slow J. O universo tradicional/pop/rock foi representado por Lara de Assys, Helena Mendes (Disto & Daquilo, Piratas do Silêncio), Teresa Marques (Piratas do Silêncio), Tio Rex e José Nobre. O peso do Metal e Alternativo fez-se sentir com Xande dos More Than a Thousand, Jorge Manuel Abreu (Lucifer Fere), Ivo Conceição (Komme Restus) e João Mota (Flowers on a Minefield). O Fado esteve presente na voz de Inês Pereira, e o público assistiu ainda ao emocionante regresso de Rui David (acompanhado por Sérgio Mendes) dos Hands on Approach.

Um verdadeiro “cocktail” de criatividade e paixão pela música que está destinado a ficar gravado na história cultural da cidade.

Um destaque especial merece o ambiente cénico, com projeções deslumbrantes na fachada da Igreja do Convento de Jesus, e a impecável qualidade do som, elementos que contribuíram decisivamente para tornar esta noite verdadeiramente única.

Para reviver ou compreender a dimensão deste momento singular, o vídeo oficial do evento, disponível no YouTube, oferece uma perspectiva privilegiada (com a excelente edição de @pedroesemedo e a colaboração de @berecruz_).

Mais do que uma banda de metal, os Epica são um projeto artístico que procura unir peso, espiritualidade e reflexão.

Esta versão de “Cry for the Moon”, uma das mais emblemáticas do reportório da banda, faz parte do concerto: The Symphonic Synergy onde a banda recriou os principais momentos da carreira, acompanhados por uma orquestra sinfónica e coros majestosos, elevando a composição a um patamar ainda mais épico.

O contraste entre a delicadeza etérea da voz de Simone Simons e a agressividade dos guturais de Mark Jansen é amplificado pela densidade da orquestra, que envolve o público numa atmosfera quase litúrgica.

Os Grandbrothers têm uma capacidade rara de transformar o piano de Erol Sarp e a manipulação eletrónica de Lukas Vogel numa linguagem que desafia fronteiras, entre a música erudita contemporânea, a eletrónica minimalista e uma pulsação quase orgânica.

Nos últimos meses, RY X tem partilhado no seu canal do YouTube diferentes vídeos do concerto extraordinário que apresentou no Roundhouse, em Londres, acompanhado pela prestigiada London Philharmonic Orchestra.

Está igualmente disponível a versão completa deste extraordinário concerto.

Slow J , um dos maiores representantes da chamada «Nova Lisboa» (originalmente é de Setúbal) encheu, duas noites seguidas, a Altice Arena em Lisboa e, perante uma plateia de fãs a cantarem cada barra como se fosse a última, mostrou toda a sua alma e autenticidade, do seu (estilo) «Afro Fado»!

Foto: itwasfiti