Não há espaço para esconder. A voz entra mais exposta, mais vulnerável, como se cada palavra estivesse sempre prestes a falhar. Não há camadas suficientes para proteger o que está a ser dito, nem distância para transformar aquilo em narrativa confortável. E isso muda o eixo da música, deixa de ser sobre o mundo e passa a ser sobre o impacto dele dentro de alguém.

A canção mantém-se num equilíbrio instável, porque não estamos perante alguém a tentar apenas resolver alguma coisa. Estamos perante alguém a tentar manter-se dentro dela, mesmo que tenha de a vir a transformar muito em breve.

Depois de ter participado em 2020 no “The Voice Portugal”, onde conseguiu virar as quatro cadeiras e integrou a equipa de Marisa Liz, mudou-se para Londres à procura de viver o seu sonho. E quando Londres ainda era uma cidade recheada de bons locais para busking, Serena encontrou o seu palco entre Leicester Square e Piccadilly Circus, conquistando muitos dos que por ali passavam.

Este caminho deu-lhe não só experiência técnica e resiliência, mas também uma espécie de língua musical própria, onde pop, indie, dream pop e elementos de trip-hop começam a convergir na sua linguagem sonora.

Paralelamente às atuações de rua, Serena começou a compor e a lançar música própria, tendo igualmente passado pelo podcast de David Antunes – Canta-me Uma História.

Serena representa uma geração de artistas que não esperam pelo palco perfeito, mas constroem o seu lugar no mundo a partir da rua, da interação directa com o público e da coragem de mostrar quem são em cada nota. Chega agora a sua versão 2.0 e a apresentação ao vivo de dois dos seus temas originais que merecem audição atenta.

A sessão ao vivo “Mt. Sava – Live in St Sava Canyon” onde apresentam as músicas do EP é uma dessas experiências em que o som parece nascer da própria paisagem. Gravada em plena natureza, a sessão transforma o canyon num instrumento e assenta numa filosofia de escuta lenta, uma forma de resistência num tempo que (se) exige velocidade.

TWO LANES reafirmam aqui a sua estética de honestidade digital, o equilíbrio entre o analógico e o sintético, entre o rigor da produção e a imperfeição humana que dá vida às máquinas.

A sessão abriu com “Lágrimas Negras / El Fantasma”, quase como um chamamento. As cordas deslizam lentas, carregadas de sombra, e logo se percebe a capacidade do duo em criar narrativa sem palavras.

Seguiu-se “Sonido Cósmico”, faixa que dá nome ao álbum mais recente. Aqui o espaço é protagonista: ecos que se prolongam, reverberações que parecem viajar entre estrelas, enquanto as guitarras se cruzam como constelações em movimento.

Com “Cumbia Lunar”, a cadência muda. A pulsação da cumbia é levada para um território de suspensão, quase dançável mas sempre etérea, como se a festa acontecesse numa praia deserta sob luar.

O fecho, “Until We Meet Again”, é despedida e promessa. As notas soam como cartas não enviadas e percebe-se como esta música encontra força no espaço vazio, no que não é tocado tanto quanto no que é.

O concerto, registado com a habitual excelência técnica da KEXP, reforça uma certeza: Hermanos Gutiérrez não são apenas dois guitarristas a dialogar, mas dois intérpretes de exceção, capazes de transportar plateias inteiras. Do silêncio hipnótico que tomou conta do Palco Revolut no Sziget 2025, onde uma multidão se deixou embalar como se o tempo tivesse parado, até à intimidade desta sessão no estúdio da KEXP, o resultado é sempre o mesmo: um estado coletivo de deleite sonoro raro.

Numa atmosfera que funde espaço comercial com momento artístico e causa comunitária, Tash Sultana entregou uma atuação vestida de suavidade e autenticidade. Num registo acústico despojado, interpretou três temas: “Pink Moon”, “Crop Circles” e “Ain’t It Kinda Funny”.

Na conversa com o co-fundador da HoMie, Marcus Crook, Tash partilhou reflexões sobre a arte, o percurso pessoal e a música como força de transformação.

Nesta performance íntima, acompanhada por uma banda tão precisa quanto discreta, ouvimos faixas do seu álbum Get Sunk, como “Bonnet of Pins” ou “Inland Ocean”, onde a melancolia não é artifício, mas matéria-prima.

A colaboração nasce do EP how to disappear, mas ganha outra vida aqui. Ao vivo, a eletrónica de pølaroit respira com mais espaço, mais textura, mais risco. As cordas não estão ali para enfeitar. Estão para dialogar e desafiar.

“how to disappear” é o título certo. Como quem deixa de ter de explicar o que sente, porque finalmente pode senti-lo inteiro.

Annahstasia (destacada anteriormente AQUI: [Next Big Thing] Annahstasia) apresenta-se em formato acústico com o colectivo The Crescent e confirma, mais uma vez, que a sua música vive da escuta e da presença. A performance, centrada em faixas do seu álbum Tether, propõe uma experiência em que cada palavra se revela no exacto momento em que é sentida.

A forma como Annahstasia respira entre versos, como prolonga sílabas ou deixa silêncios acontecerem, dá às canções uma densidade emocional que se impõe sem esforço.

A cumplicidade com os músicos do The Crescent é visível e discreta, está no olhar, no tempo certo da entrada, no respeito mútuo pelo espaço da canção.

Esta sessão reforça o que Tether já deixava claro: Annahstasia não é apenas uma compositora talentosa, é uma intérprete que transforma simplicidade em intensidade. O seu percurso, entre o folk, o soul e uma escrita de auto-descoberta ganhou com este álbum uma clareza e maturidade notáveis. E este momento ao vivo torna isso ainda mais evidente.